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Verdades (I have chosen You)

The Eden House.

Los británicos The Eden House son un supergrupo surgido del reclutamiento de miembros de históricas bandas de rock alternativo como Anathema, Pink Floyd, The Fields of the Nephilim, All about Eve, The Mission, Faith and the Muse y un largo etcétera. Hasta la fecha han publicado varios trabajos: Smoke and Mirrors (2009), el EP Timeflows (2012) y Half Life (2013). En 2009 lanzaron The Looking Glass, un recopilatorio de canciones en directo del Smoke and Mirrors junto a otros temas inéditos en formato DVD/CD.

Su último trabajo, Songs for the Broken Ones (2017), es la confirmación de la banda como uno de los grupos más en forma del rock actual. El disco cuenta con doce cortes que son vía libre para la fusión de rock progresivo con atmósferas oscuras. El resultado es una música creativa de primerísima división.

El bajista Tony Pettitt (izda.), un fijo en la formación The Eden House.

Foto: The Fields of the Nephilim en el festival Blackfield (2014).

Verdades (I have chosen You).

Monica Richards, una de las vocalistas principales de la banda y musa por derecho propio, comentó que siempre ha sentido interés por el estudio de la literatura universal. Encontró este poema anónimo español que puede estar datado en la década de los años 1920 y quiso adaptarlo a una canción sin traducirlo. Richards es una sólida defensora de los textos originales y ha cantado en diferentes idiomas como su inglés nativo, latín o francés.

La musa Monica Richards.

La letra dice así:

This dream is just treasure
And I have chosen you.
No me preguntes si te amo, porque esa pregunta me ofende,
si pudiera colocar moneda sobre moneda
para hacer una torre de todo lo que siento,
créeme llegaría hasta el cielo.
This dream is just treasure
and I have chosen you.
This pain is just pleasure
and I have chosen you.
A pesar de que estés lejos lo que siento aquí dentro crece y crece,
que a veces me asusta el pensar
dónde voy a poner tanto amor cuando
ya no me quepa en el pecho.
Donde tú vives es aquí… en mi corazón.
This dream is just treasure
and I have chosen you.
This pain is just pleasure
and I have chosen you.
No importa que te mudes a otra galaxia,
tú siempre estás aquí.
No matter where you are,
you live you are here … in my heart.
This dream is just treasure
and I have chosen you.
This pain is just pleasure
and I have chosen you.

————

Line Up:

Monica Richards: cantante y letra.

Stephen Carey: guitarra.

Tony Pettitt: bajo.

Simon Rippin: batería.

Bob Loveday: violín.

Videoclip y single.

El videoclip del tema está dirigido por E.G. Edvy y el single está disponible en las siguientes plataformas:

Bandcamp

iTunes

Google Play

Amazon

Verdades (I have chosen You) es el single del disco Songs for the Broken Ones (2017) y está editado por Jungle Records ©.

Fuente: canal de The Eden House en YouTube.

 

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Warlock, el brujo

Warlock, el brujo (1989).

Hoy traemos a la palestra una curiosa película: Warlock, el brujo. La cinta forma parte del acervo ochentero dentro de la temática de terror. Aunque se rodó en el año 1989, tuvo que estrenarse en 1990 debido a la quiebra de la empresa distribuidora.

A fines del siglo XVII, un brujo (Julian Sands) es condenado a muerte pero escapa a la ciudad de Los Angeles del año 1991. El cazabrujas Giles Redferne (Richard E. Grant) logra embarcarse en el mismo viaje a través de un portal espacio-temporal para intentar detenerle. Warlock tiene encomendada la diabólica misión de encontrar todos los fragmentos del Gran Grimorio (el libro de las sombras o llave de Salomón) con el fin de adquirir terribles poderes. Redferne contará con la ayuda de Kassandra (Lori Singer) —una joven hechizada por el brujo— para intentar salvar el mundo y a ella misma.

Warlock (Julian Sands) y Redferne (Richard E. Grant)

La película está recomendada para los amantes del cine de los ochenta y el terror de serie B. Un filme entretenido en el que los tres protagonistas cumplen dignamente su papel y te sumergen en un suspense a contrarreloj.  Una sesión de nostalgia para aquellos chavales —como un servidor— que comenzaban la adolescencia cuando la película se estrenó en cines.

El título tuvo dos secuelas —en 1993 y 1999— pero no alcanzaron el nivel ni la frescura de la primera.

Los grimorios.

El artefacto central de la película y objeto de deseo de Warlock es el Gran Grimorio. Un grimorio es un libro de saberes ocultistas usado por los hechiceros. Su origen tiene lugar en la Edad Media europea y contiene abundantes datos y conocimientos mágicos. La palabra puede venir del italiano rimario, ‘colección de rimas o versos’. En este tipo de libros se describen cuestiones astrológicas, fabricación de talismanes y provocación de encantamientos, entre otras muchas cosas. También pueden contener traducciones de conocimientos de procedencia árabe. Dos de los más famosos fueron El martillo de brujas de los inquisidores alemanes Sprenger y Kramer y el Códex Gigas, también llamado «la biblia del diablo».

Imagen de un grimorio

Créditos

Warlock, el brujo (1989).

EE.UU. 103 minutos. Terror / aventuras.

Director: Steve Miner

Guión: David Twohy

Intérpretes: Julian Sands, Lori Singer, Richard E. Grant.

Música: Jerry Goldsmith.

Distribuidora: Trimark Home Video.

¡Que disfrutéis de la peli y cuidado si os encontráis un libro de estos!

Warlock (official trailer, 1989). English version.

 

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«Annabel Lee»

Radio Futura.

El grupo español de rock Radio Futura es una de las bandas más importantes en lengua española. También fue un hito dentro de la Movida Madrileña junto a Nacha Pop. En sus comienzos  estuvieron influenciados por el pop-rock contemporáneo europeo -especialmente el inglés-, el punk y la new wave. Aquí estamos hablando de su primer larga duración Música Moderna (1980) y su principal corte, Enamorado de la moda juvenil. Posteriormente, los Radio empezaron a coquetear con un nuevo sonido que los críticos llamaron rock latino y de lo que se dice que fueron pioneros. Los componentes más representativos de la cambiante formación fueron Santiago Auserón ‘Juan Perro’ (voz y guitarra), Luis Auserón (bajo) y Enrique Sierra (guitarra solista).

Radio Futura

Annabel Lee.

La canción de Juan Perro (1987) fue el cuarto trabajo de Radio Futura y se publicó con la discográfica de origen norteamericano RCA. Este fue el disco clave de lo que se conoce como el nacimiento del citado rock latino pues supuso un comienzo en la fusión del rock anglosajón y los ritmos caribeños. En este sentido, basta recordar algunos de sus clásicos para el gran público como Semilla Negra o Veneno en la piel.

Ya dentro de lo que nos trae aquí, en este trabajo sobresale un tema con claras referencias literarias: Annabel Lee. Este nombre de mujer fue una composición poética de Edgar Allan Poe que tiene como motivo la muerte de una joven de la que el poeta estuvo enamorado. Algunos críticos piensan que ella era Virginia Clemm, esposa del literato de Boston y fallecida dos años ante de la composición (1849). La lírica de la canción dice así:

It was many and many a year ago,
   In a kingdom by the sea,
That a maiden there lived whom you may know
   By the name of Annabel Lee;
And this maiden she lived with no other thought
   Than to love and be loved by me.
I was a child and she was a child,
   In this kingdom by the sea,
But we loved with a love that was more than love—
   I and my Annabel Lee—
With a love that the winged seraphs of Heaven
   Coveted her and me.
And this was the reason that, long ago,
   In this kingdom by the sea,
A wind blew out of a cloud, chilling
   My beautiful Annabel Lee;
So that her highborn kinsmen came
   And bore her away from me,
To shut her up in a sepulchre
   In this kingdom by the sea.
The angels, not half so happy in Heaven,
   Went envying her and me—
Yes!—that was the reason (as all men know,
   In this kingdom by the sea)
That the wind came out of the cloud by night,
   Chilling and killing my Annabel Lee.
But our love it was stronger by far than the love
   Of those who were older than we—
   Of many far wiser than we—
And neither the angels in Heaven above
   Nor the demons down under the sea
Can ever dissever my soul from the soul
   Of the beautiful Annabel Lee;
For the moon never beams, without bringing me dreams
   Of the beautiful Annabel Lee;
And the stars never rise, but I feel the bright eyes
   Of the beautiful Annabel Lee;
And so, all the night-tide, I lie down by the side
   Of my darling—my darling—my life and my bride,
   In her sepulchre there by the sea—
   In her tomb by the sounding sea.

Un reino junto al mar.

El poema original fue adaptado del inglés al español por Radio Futura en su tema. Annabel Lee fue aquella mujer evocada de un reino junto al mar que murió y fue sepultada en una tumba junto a aquel mismo ruidoso mar. Os dejamos el videoclip con la letra adaptada.

 

Videoclip de Annabel Lee – Radio Futura (1987). Publicado por RCA-Ariola. Fuente: YouTube.

 

 

 

 

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«Su nombre es Denis»

La Movida.

Corría el año 1984, cuando la new wave o nueva ola musical campaba a sus anchas por las radios. Era un época en la que los grupos pop españoles estaban en plena forma arropados por los últimos años de La Movida. Muchos se apuntaron al carro de este esplendoroso movimiento de libertad: Nacha Pop, Parálisis Permanente, Alaska y los Pegamoides… También fueron muchos los programas en la televisión que promocionaron esa buena música como Popgrama o La bola de cristal. Y en el centro de todo, una gran divulgadora y presentadora, la periodista Paloma Chamorro recientemente fallecida.

Paloma Chamorro (1949-2017)

La Unión.

La Unión fue uno de esos grupos de la new wave ibérica. Estaba formado por Luis Bolín al bajo, Mario Martínez a la guitarra y Rafael Sánchez a la voz como formación principal a la que se añadían saxo y/o teclados. Su primer trabajo fue Mil Siluetas (1984) que fue editado por la que hoy es Warner Music. Algunos temas fueron producidos por Nacho Cano; uno de estos sencillos fue Lobo Hombre en París, que cosechó gran éxito y quedó para la posteridad como un clásico básico del pop-rock español.

El «Lobo Hombre» de Boris Vian.

La canción se basó en un relato del polifacético escritor francés Boris Vian (1920-1959). El cuento es un trastocamiento del mito del hombre lobo. Denis comienza siendo un lobo que observa a los enamorados. Un día, es mordido por el mago del Siam y se convierte en hombre. Entonces, el hombre Denis sale de los bosques y viaja a un París decadente donde acude a los bares, se junta con prostitutas y se enfrenta a proxenetas. Denis termina odiando su condición humana.

Aquí os dejo el videoclip oficial del tema Lobo Hombre en París de La Unión. Que lo disfrutéis.

La Unión – Lobo Hombre en París (1984). Warner Music Spain en su canal de YouTube.

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Recordando a Paul Naschy

Hoy vamos a recordar a uno de los mayores mitos de la filmografía española, Paul Naschy, cuyo verdadero nombre era Jacinto Molina (1934-2009). A este artista del celuloide le debemos gran parte de la filmografía española de terror –de la que fue figura clave– debido a la infinidad de películas de las que se hizo cargo, ya como actor o como director. Su pasión por el cine de género le sobrevino a raíz de la película Frankenstein y el Hombre Lobo (1943), filme estadounidense en el que destaca la interpretación de Bela Lugosi.

Frankenstein meets de Wolf Man (1943) de Roy William Neill.

Un nombre y un comienzo.

Nuestro querido intérprete tomó el sobrenombre de Paul Naschy de cara a la internalización de su trabajo y este será el nombre por el que será conocido en muchas partes del mundillo del séptimo arte. A Paul se le debe el arranque y el empuje de un cine de terror que no tenía historia en nuestro país.  Naschy debutó como extra de la peli religiosa –y carne de barbecue televisiva “semanasantera”–  Rey de Reyes (1961) de Nicholas Ray (sí, el que también fuera director de la mítica Rebelde sin Causa). También hizo de extra en El príncipe encadenado (1960), versión cinematográfica de La vida es sueño de Calderón de la Barca.

Una prolífica carrera.

Pero el señor Molina quería hacer su propio cine y sus propios papeles. Centró gran parte de su actividad en los sesenta y setenta e interpretó al licántropo Waldemar Daninsky en La marca del hombre lobo de Enrique Eguiluz (1967) con la que daría un golpe de efecto necesario en la filmografía española. Con ello comenzó una prolífica carrera en la que dio vida a papeles propios del terror clásico como la momia, el jorobado, el vampiro y, por supuesto, el hombre-lobo. Una de sus películas más aclamadas y reconocibles fue La noche de Walpurgis (1971) de León Klimovsky, secuela interpretativa del personaje de hombre-lobo Waldemar Daninsky, un clásico en el repertorio de Naschy.

La noche de Walpurgis (también conocida como Werewolf Shadow o The Werewolf vs. Vampire Woman).

Finale.

La carrera de este hombre es verdaderamente inabarcable. En 2001 recibió la Medalla de Oro al mérito de las Bellas Artes. Murió en 2009, víctima de un letal cáncer de pancreas. Hoy ya solo nos queda decir: “¡siempre en el recuerdo, maestro!”.

El actor, director y guionista Paul Naschy.

 

 

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Regreso a la Cripta

A lo largo de este año se tiene planeado devolver a la actualidad aquella serie de culto de finales de los años ochenta titulada Historias de la Cripta en España. La serie sería emitida por la cadena de suscripción Turner Network Television (TNT) y el show está pensado para 10 nuevos capítulos. El estreno ha estado atravesando baches debido a problemas legales con los derechos de la entrega original. A día de hoy, debemos seguir esperando noticias del estado de la cuestión.

Historias de la Cripta

La serie comenzó en 1989 por medio de la cadena HBO y cerró emisión en 1996. El motor de la grabación se basaba en los cómics de terror de Entertainment Comics-EC que entretenían a los niños en los años cincuenta. Uno de los títulos de los tebeos de este sello editorial —«Tales from the Crypt»— daría nombre a la serie. La producción fue como una adaptación ‘noventera’ de aquel serial clásico de los sesenta llamado The Twilight Zone de Rod Sterling (llamada La dimensión desconocida en España).

El Guardián de la Cripta

Cada episodio duraba entre 20 y 30 minutos y era presentado por el Guardián de la Cripta, un muñeco tétrico, huesudo y socarrón que destilaba humor negro desde su guarida. Las entregas se componían de relatos televisivos independientes —y autoconclusivos— de terror o suspense.

La serie contó con la participación de actores reconocidos como Kyle MacLachlan, Michael J. Fox o Christopher Reeve solo por nombrar a algunos.

El director M. Night Shyamalan

El director y guionista indio-estadounidense M. N. Shyamalan se haría cargo del reboot de este clásico televisivo del que se considera un completo fan. Este afamado profesional se ha ido centrando en producciones de misterio y suspense; ha dirigido exitosos filmes como El sexto sentido (1999) o la recién estrenada Múltiple (2017). Para televisión, se hizo cargo del thriller psicológico Wayward Pines. 

Para bien o para mal, solo nos queda esperar. Mientras tanto, os dejo con un capítulo online de Historias de la Cripta titulado La Casa del Terror.

Para saber más:

Artículo de Whitney Friedlander en Variety.com

Avance del reboot en Fotogramas

Historias de la Cripta: la Casa del Terror (via YouTube y emitido por MediaSet España)

 

 

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Maila Nurmi: musa del Cine B

El cine de serie B.

Generalmente entendemos el cine de serie B como una producción de bajo presupuesto centrado, fundamentalmente, en el terror y la ciencia ficción. Este tipo de cine comenzó, durante la época ya consolidada de los grandes sistemas de estudios cinematográficos de EE.UU. (hacia la tercera década del siglo XX). Su motivación viene dada a raíz de la depresión económica de los Estados Unidos en 1929 y la caída de audiencia en salas. El cine de serie B se llama así porque se exhibía junto a una película de reestreno cuya entrada era a menor precio que en su gira de estreno en primicia.

Es cierto que se concibe este tipo de cine como producciones de baja calidad hechas con métodos rudimentarios y  de poca inspiración artística. Ante la falta de presupuesto, había que echar mano de la imaginación y del trabajo artesanal.

La serie B tuvo su culmen en la década de los años cincuenta. A pesar de todo, este género tiene sus adeptos y goza de reconocimiento entre ciertos sectores de crítica y público.

Ejemplos clásicos de este tipo de cine pueden ser The creature from the Black Lagoon (1954), El increíble hombre menguante (1957), El pueblo de los malditos (1960) o The Night of the Living Dead (1968).

Maila Nurmi como Vampira.

Maila Nurmi (1922-2008) fue una actriz de origen finés y nacionalidad estadounidense que vivió en el epicentro de la revolución del cine de serie B. Comenzó en la industria del cine con un pequeño papel en la película If Winter Comes (1947). Pero su relevancia comenzó a raíz de su reconocido papel de Vampira para la cadena de televisión KABC. Vampira era una presentadora de películas de terror en horarios cercanos a la medianoche. Su personaje televisivo estuvo caracterizado por la palidez, los vestidos negros y escenarios como cementerios o habitaciones lúgubres llenas de telarañas.

Maila Nurmi en el documental Schlock! (2001)

La insólita imagen de Vampira quedó para la posteridad de la historia televisiva. Su imagen estuvo influenciada por las tiras cómicas de Charles Addams para el periódico The New Yorker: hablamos, en particular, de la familia Addams.

La actriz finesa-estadounidense también participó en la película de Ed Wood Plan 9 from the Outer Space (1959) también como Vampira. El filme fue el no va más de la serie B y fue calificada como “una de las peores películas de la historia”.  El delirante argumento partía de la idea de unos extraterrestres que se dedicaban a convertir a los muertos en zombies asesinos para preservarse de la raza humana.

Os dejo con la introducción de El show de Vampira.

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Góngora Can Dance

Luis de Góngora (1561-1627).

De muchos es sabido que Luis de Góngora fue uno de los máximos exponentes de la poesía en la España del Siglo de Oro. Fue impulsor del culteranismo, una corriente de la época barroca que abogaba por el uso de palabras cultas, imágenes en forma de metáforas complejas y una sintaxis enrevesada. Podría decirse que la fuerza de este poeta residía en el uso laberíntico de figuras retóricas y en la evocación de leyendas de la mitología grecorromana. Góngora basó su obra en grandes poemas, sonetos y letrillas.

Retrato de Góngora obra de Jean de Courbes

¿Quién iba a decir que Dead Can Dance –uno de los mayores grupos de todos los tiempos en los géneros musicales darkwave y folk experimental– iba a adaptar en Aion una de las composiciones del poeta andaluz?

El álbum Aion de Dead Can Dance.

Aion (1990) es el quinto trabajo de Dead Can Dance publicado por el sello independiente inglés 4AD. El título hace referencia al dios griego Eón, señor de la eternidad. En este sentido, el grupo australiano dirigió su trabajo hacia la temática mitológica bajo un halo de melodías  y temas narrativos medievales y renacentistas. Esta obra maestra de la música etérea recogió entre sus temas la letrilla Da Bienes Fortuna (1581) de Luis de Góngora que, en su adaptación, dice así:

Fortune presents gifts not according to the book

«Fortune presents gifts not according to the book
Fortune presents gifts not according to the book
When you expect whistles it’s flutes
When you expect flutes it’s whistles.

What various paths are followed in distributing honours and possesions
She gives awards to some and penitent’s cloaks to others

When you expect whistles it’s flutes
When you expect flutes it’s whistles.

Sometimes she robs the chief goatherd of his cottage and and goatpen
And to whomever she fancies the lamest goat has born two kids

When you expect whistles it’s flutes
When you expect flutes it’s whistles.

Because in a village a poor lad has stolen one egg
He swings in the sun and another gets away with a thousand crimes

When you expect whistles it’s flutes
When you expect flutes it’s whistles».

Lo que el poeta expresa con su pieza es el desengaño que siente ante un mundo injusto víctima de una fortuna caprichosa o cruel. Vista la lírica, os dejamos también el tema musical completo. Esperemos que lo disfrutéis.

Dead Can Dance – Fortune presents gifts not according to the book

from the album Aion (1990).

 

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Las montañas que no existieron

Las montañas de la locura de H.P. Lovecraft.

En 1936 se publicó por primera vez en la revista Astounding Stories la novela En las montañas de la locura de H.P. Lovercraft como un homenaje a La narración de Arthur Gordon Pym (publicada como libro en 1838) de Edgar Allan Poe. La trama se desarrolla en un viaje de exploración por parte de unos científicos de la ficticia Universidad de Miskatonic  al continente antártico en el Polo Sur. En este lugar encuentran gigantescos picos montañosos que aguardan horribles fósiles congelados y restos de una magnífica y extinguida civilización —los Antiguos o Primordiales— perdida en el mar de los tiempos.

Este argumento solo podía salir de la mente del genio de Providence. El horror y el misterio en este escritor no proceden del arquetipo de monstruo de la cultura y la mitología tradicional (como puedan ser los fantasmas u otras criaturas de la noche) sino que parte de las regiones de lo desconocido ya sea en el tiempo o en el espacio: ¿qué puede temer más el hombre que aquello que ignora?

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Las extrañas cordilleras antárticas de Lovecraft

¿Las montañas de la locura por Guillermo del Toro?

Este material es muy jugoso para adaptarlo a un guión cinematográfico: imaginaos disfrutar de las historias de Lovecraft en la gran pantalla. Pero, ¿quién puso interés en este delicioso proyecto? Ni más ni menos que el director Guillermo del Toro que le viene la idea como anillo al dedo. ¿Por qué? Pues porque Guillermo del Toro es un auténtico amante y maestro de las historias de inspiración gótica y de ciencia ficción y a su historial cinematográfico podemos remitirnos.

En este proyecto de Del Toro se ha rumoreado en torno a James Cameron (The Terminator, Avatar) como productor y a Tom Cruise (Entrevista con el vampiro, Eyes Wide Shut, Vanilla Sky, Minority Report) como protagonista. Como la rumorología no es una “ciencia exacta”, también se ha hablado de Ron Perlman (una constante en los filmes del director mexicano) como la alternativa a posible protagonista. En cualquier caso, se ha venido fantaseando con una superproducción para llevar a Lovecraft a las salas de cine.

Todo parece formidable pero ahora viene el problema. La preproducción se ha venido gestando en Universal Pictures pero, tal y como Del Toro ha ideado el proyecto, el presupuesto estimado supone una cuantía tan elevada que ha hecho inviable su continuación. A día de hoy, hay una pequeña esperanza de que la productora Legendary Pictures recoja el testigo del asunto.

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¿Qué horrores nos aguardan en las profundidades de la Antártida?

Con tal suculenta idea de reunir uno de los más celebrados relatos de Lovecraft y un cineasta que ha demostrado que el cine fantástico y las adaptaciones son lo suyo, a muchos fans se les puede hacer la boca agua. ¿2017?, ¿2018?, ¿cancelación definitiva? Quién sabe, solo nos queda esperar.

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Aniversario de «In the Flat Field» de Bauhaus

Panorama en los albores de los ochenta

Este mes estamos de aniversario y, por ello, hacemos parada en noviembre de 1980, fecha en la que el sello discográfico independiente 4AD  lanza el primer disco «In the Flat Field» del grupo británico Bauhaus.

Estabamos en los albores de la década de los ochenta, una época donde el inconformismo y una nueva creatividad estaban empezando a bullir a fuego lento: nuevas sensibilidades con múltiples formas de manifestarse. Era tiempo para el postpunk más impúber, la new wave así como para los nuevos románticos y el electropop adornado con laca y maquillaje. Aún veíamos por el espejo retrovisor el krautrock alemán y el glam rock de David Bowie y The New York Dolls. También el punk de transición hacia lo gótico de The Damned va a ser un punto de arranque fundamental para la nueva escena oscura que ya estaba llamando al timbre.

En este caldo de cultivo, nació la banda de Peter Murphy (a los micrófonos),  Daniel Ash (guitarra y saxo), Daniel J (bajo) y Kevin Haskins (a la batería). En la transición de los 70 hacia los 80, Bauhaus iba de la mano con Joy Division, Siouxie & the Banshees y The Cure en lo que fue la exploración ‘rockanrolera’ de los rincones más sombríos de la música. Todos ellos británicos y es que la isla abanderó este nuevo sonido al igual que muchos otros subgéneros del rock.

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Bauhaus (nombre tomado de la famosa escuela alemana de diseño)

In the Flat Field

«In the Flat Field» fue el primer trabajo de Bauhaus y uno de los álbumes pioneros de la primera ola del rock gótico. Netamente fue un disco de postpunk claustrofóbico con un frontman de aspecto vampírico, músicos con gafas de sol y las primeras camisetas negras de rejilla. Bauhaus facturaba un rock de atmósfera lóbrega con cambio de ritmos en una variedad de tempos. La voz de Murphy —a veces pausada, a veces frenética—, en cierto modo, puede recordar al desaparecido Jim Morrison y la experimentación se reafirmaba en una poética decadente .

La crítica general no tuvo buenas palabras para el disco, calificándolo con los términos de «pedante, engreído, sin sentido y catatónico».  Quizá no supieron entender el surgimiento de una nueva ola del rock o quizá veían la nueva escena desde sus cómodos atriles del conformismo.

Pero no todo fueron valoraciones adversas. En 2012, la revista Sonic Seducer, nombró al álbum como el 4º en la escala de los diez álbumes clave de la escena gótica. En cualquier caso, aunque Bauhaus no es para todos los públicos, sí tiene un valor artístico indudable.

Temas del disco

  1.  Double Dare.
  2.  In the Flat Field.
  3.  A God in an Alcove.
  4.  Dive.
  5.  Spy in the Cab.
  6.  Small Talk Stinks.
  7.  St. Vitus Dance.
  8.  Stygmata Martir.
  9.  Nerves.

Los grandes temas —de cara a la galería— que se pueden encontrar en el disco son In the Flat Field y Stigmata Martyr , pero os voy a dejar con una de las canciones que mejor pueden definir su rock’n’roll agónico: Spy in the Cab.

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Un vistazo al festival de Sitges 2016

Esta semana vengo a reivindicar la magnificencia e importancia de un festival cinematográfico hecho en la península ibérica: el Festival de cine de Sitges en la provincia de Barcelona. Este evento viene celebrándose desde 1968 y tiene máxima importancia a nivel mundial dentro de la faceta fantástica de las artes del cine. El festival ha alcanzado su 49ª edición e, históricamente, ha venido contando con la presencia de jueces y actores de la escena internacional del cine como Álex de la Iglesia, Luis Buñuel, Wes Craven, Guillermo del Toro, Sam Raimi, Terry Gilliam, Anthony Hopkins, David Lynch, Christopher Lee, David Cronenberg  y Vicent Cassel entre muchos otros. Impresionante, ¿verdad?

El festival no solo es importante por su eco internacional, sino por la valentía de poner en valor un cine que pasta fuera de los circuitos más comerciales. El cine del que hablamos es de corte de fantástico-ficcional del cual muchos no tendrían noticia si no fuera por la plataforma promocional de este gran evento catalán. Las películas proyectadas pertenecen a una temática undeground que, en ocasiones, cuenta con actores de primera fila que interpretan papeles dentro de ambientes en los que el crimen, lo surrealista, los alienígenas o los zombies son un elemento principal para disfrute del público más exigente de la ficción imaginativa. Las películas exhibidas en el festival se dividen en diversas secciones: cortometrajes, Brigadoon, Panorama Fantástico, Midnight X, Anima’t etc.

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Emblema de una de las ediciones del festival de Sitges

Sitges 2016 y premios

Esta celebración del cine se llevó a cabo entre el 7 y el 16 de octubre de 2016 y contó con el premio especial honorífico al mítico actor Christopher Walken al que podemos recordar en películas como The Deer Hunter (Oscar al mejor actor de reparto), Pulp Fiction, Things to do in Denver when you’re dead y Sleepy Hollow solo por nombrar algunas de las más relevantes.

Voy a hacer mención especial a algunos títulos incluidos en el certamen: The Love Witch se nos presenta como un cóctel de erotismo, psicodelia y hechicería dentro de un marco general de tributo a la contracultura pop de los años sesenta estadounidenses; Blair Witch de 2016 vuelve al horror del Proyecto de la bruja de Blair de 1999; Rob Zombie participa con la película 31 que gira en torno a Halloween y los payasos terroríficos y Don’t Kill It presenta a un Dolph Lundgren como exterminador de demonios. También hay tiempo para las pelis de atracos en Texas con banda sonora de Nick Cave en Hell or High Water. El cine asiático es una parte relevante del evento y cuenta con la proyección de The Mermaid, una cinta principal de la ciencia ficción oriental en la que una sirena pretende evitar los planes de un todopoderoso empresario.

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Cartel de la película The Love Witch (2016) de Anna Biller

Los premios principales que se otorgaron en el festival fueron los siguientes:

  • Mejor película: Swiss Army Man.
  • Mejor director: Yeong Sang-ho por Train to Busan.
  • Mejor actor: Daniel Radcliffe por Swiss Army Man.
  • Mejor actriz: Sennia Nanua por Melanie. The girl with all the gifts.
  • Mejor guión: Jeremy Slater por Pet.
  • Mejor fotografía: Hong Kyung-pyo por El extraño.

Una sinopsis general resultaría totalmente inabarcable; el cartel o programa general de esta última edición ha contado con más de 200 títulos para que nos hagamos una idea de la cantidad (y, por supuesto, calidad) de la producción cinematográfica que alberga el certamen barcelonés.  Estas letras han sido solo el comienzo de un aperitivo de lo que significa el gran plato de Sitges y una reivindicación impetuosa del mismo. Bienvenidos al cine.

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Semana Gótica de Madrid: la Ventana Oscura 2016

Semana Gótica de Madrid: la Ventana Oscura 2016

Mistérica Ars Secreta —y yo personalmente— queremos recomendaros ese evento único que es la VIII Semana Gótica de Madrid. Esta fiesta de la cultura gótico-romántica ha sido creada, desarrollada y mantenida por un largo grupo de colaboradores gracias a los cuales podemos celebrar un estilo de vida inquieta que va más allá de lo convencional y conformista. También hay que agradecer esta lista de eventos a los espacios colaboradores de la FNAC, Generación X, el Museo del Romanticismo de Madrid, La Universidad Complutense y el Museo Lázaro Galdiano, entre otros.

La SGM se dedica a la promoción de toda esa cultura que ocupa un amplio espectro de manifestaciones artísticas en su vertiente más netamente oscura y misteriosa dentro de la música, el arte, la literatura, el cine, la moda, etc. Aunque, estrictamente, arranca en el siglo XIX con la literatura romántica, este movimiento bebe de muchos tipos de fuentes: desde la imaginería egipcia o el arte medieval pasando por las pinturas de El Bosco, las ilustraciones de Arthur Arkham, la literatura de Edgar Allan Poe o E.T.A. Hoffmann y la moda victoriana hasta la darkwave musical o el postpunk.

También la SGM y la Asociación Cultural Besarilia acogen en su seno un congreso universitario en la Complutense de Madrid, el «Congreso de arte, literatura y cultura gótica urbana» (del 5 al 7 de octubre de 2016) que ha contado con la ponencia —entre muchos otros profesionales y estudiosos del movimiento— de nuestro director, Pedro Ortega.

La actual octava edición se desarrolla en Madrid en octubre y parte de noviembre y cuenta grosso modo con los siguientes eventos:

  • Encuentros con la literatura (el día 18 de octubre en Generación X [c/ la Puebla, 15] se presentará el número 8 de Mistérica Ars Secreta: el hermetismo a cargo de nuestros directores, Pedro Ortega y Belén Doblas).
  • Teatrífico 2016: «Los gatos diabólicos. Música y leyendas siniestras del México colonial»
  • SGM Art 2016 : «Magia y adivinación: letras ocultas»
  • SGM Ciencia 2016: «Botánica oculta: de la bruja a la sanadora»
  • SGM Fest Kids 2016: concierto de Cobras Púrpura.

Ya que nos encontramos en la sección de audiovisuales haré mención aparte del evento La Ventana Oscura 2016, un espacio dedicado al cine de temática de terror y lo desconocido que tanto nos puede gustar y que está representado en forma y manera de proyecciones, mesas redondas y conferencias magistrales. Esta sección tendrá lugar el 22 de octubre en el Forum FNAC de Callao y la entrada es gratuita. Os adjunto la cartelería del programa.

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Cartel a cargo de Billyphobia (director artístico de la SGM)