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«Annabel Lee»

Radio Futura.

El grupo español de rock Radio Futura es una de las bandas más importantes en lengua española. También fue un hito dentro de la Movida Madrileña junto a Nacha Pop. En sus comienzos  estuvieron influenciados por el pop-rock contemporáneo europeo -especialmente el inglés-, el punk y la new wave. Aquí estamos hablando de su primer larga duración Música Moderna (1980) y su principal corte, Enamorado de la moda juvenil. Posteriormente, los Radio empezaron a coquetear con un nuevo sonido que los críticos llamaron rock latino y de lo que se dice que fueron pioneros. Los componentes más representativos de la cambiante formación fueron Santiago Auserón ‘Juan Perro’ (voz y guitarra), Luis Auserón (bajo) y Enrique Sierra (guitarra solista).

Radio Futura

Annabel Lee.

La canción de Juan Perro (1987) fue el cuarto trabajo de Radio Futura y se publicó con la discográfica de origen norteamericano RCA. Este fue el disco clave de lo que se conoce como el nacimiento del citado rock latino pues supuso un comienzo en la fusión del rock anglosajón y los ritmos caribeños. En este sentido, basta recordar algunos de sus clásicos para el gran público como Semilla Negra o Veneno en la piel.

Ya dentro de lo que nos trae aquí, en este trabajo sobresale un tema con claras referencias literarias: Annabel Lee. Este nombre de mujer fue una composición poética de Edgar Allan Poe que tiene como motivo la muerte de una joven de la que el poeta estuvo enamorado. Algunos críticos piensan que ella era Virginia Clemm, esposa del literato de Boston y fallecida dos años ante de la composición (1849). La lírica de la canción dice así:

It was many and many a year ago,
   In a kingdom by the sea,
That a maiden there lived whom you may know
   By the name of Annabel Lee;
And this maiden she lived with no other thought
   Than to love and be loved by me.
I was a child and she was a child,
   In this kingdom by the sea,
But we loved with a love that was more than love—
   I and my Annabel Lee—
With a love that the winged seraphs of Heaven
   Coveted her and me.
And this was the reason that, long ago,
   In this kingdom by the sea,
A wind blew out of a cloud, chilling
   My beautiful Annabel Lee;
So that her highborn kinsmen came
   And bore her away from me,
To shut her up in a sepulchre
   In this kingdom by the sea.
The angels, not half so happy in Heaven,
   Went envying her and me—
Yes!—that was the reason (as all men know,
   In this kingdom by the sea)
That the wind came out of the cloud by night,
   Chilling and killing my Annabel Lee.
But our love it was stronger by far than the love
   Of those who were older than we—
   Of many far wiser than we—
And neither the angels in Heaven above
   Nor the demons down under the sea
Can ever dissever my soul from the soul
   Of the beautiful Annabel Lee;
For the moon never beams, without bringing me dreams
   Of the beautiful Annabel Lee;
And the stars never rise, but I feel the bright eyes
   Of the beautiful Annabel Lee;
And so, all the night-tide, I lie down by the side
   Of my darling—my darling—my life and my bride,
   In her sepulchre there by the sea—
   In her tomb by the sounding sea.

Un reino junto al mar.

El poema original fue adaptado del inglés al español por Radio Futura en su tema. Annabel Lee fue aquella mujer evocada de un reino junto al mar que murió y fue sepultada en una tumba junto a aquel mismo ruidoso mar. Os dejamos el videoclip con la letra adaptada.

 

Videoclip de Annabel Lee – Radio Futura (1987). Publicado por RCA-Ariola. Fuente: YouTube.

 

 

 

 

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«Su nombre es Denis»

La Movida.

Corría el año 1984, cuando la new wave o nueva ola musical campaba a sus anchas por las radios. Era un época en la que los grupos pop españoles estaban en plena forma arropados por los últimos años de La Movida. Muchos se apuntaron al carro de este esplendoroso movimiento de libertad: Nacha Pop, Parálisis Permanente, Alaska y los Pegamoides… También fueron muchos los programas en la televisión que promocionaron esa buena música como Popgrama o La bola de cristal. Y en el centro de todo, una gran divulgadora y presentadora, la periodista Paloma Chamorro recientemente fallecida.

Paloma Chamorro (1949-2017)

La Unión.

La Unión fue uno de esos grupos de la new wave ibérica. Estaba formado por Luis Bolín al bajo, Mario Martínez a la guitarra y Rafael Sánchez a la voz como formación principal a la que se añadían saxo y/o teclados. Su primer trabajo fue Mil Siluetas (1984) que fue editado por la que hoy es Warner Music. Algunos temas fueron producidos por Nacho Cano; uno de estos sencillos fue Lobo Hombre en París, que cosechó gran éxito y quedó para la posteridad como un clásico básico del pop-rock español.

El «Lobo Hombre» de Boris Vian.

La canción se basó en un relato del polifacético escritor francés Boris Vian (1920-1959). El cuento es un trastocamiento del mito del hombre lobo. Denis comienza siendo un lobo que observa a los enamorados. Un día, es mordido por el mago del Siam y se convierte en hombre. Entonces, el hombre Denis sale de los bosques y viaja a un París decadente donde acude a los bares, se junta con prostitutas y se enfrenta a proxenetas. Denis termina odiando su condición humana.

Aquí os dejo el videoclip oficial del tema Lobo Hombre en París de La Unión. Que lo disfrutéis.

La Unión – Lobo Hombre en París (1984). Warner Music Spain en su canal de YouTube.

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Góngora Can Dance

Luis de Góngora (1561-1627).

De muchos es sabido que Luis de Góngora fue uno de los máximos exponentes de la poesía en la España del Siglo de Oro. Fue impulsor del culteranismo, una corriente de la época barroca que abogaba por el uso de palabras cultas, imágenes en forma de metáforas complejas y una sintaxis enrevesada. Podría decirse que la fuerza de este poeta residía en el uso laberíntico de figuras retóricas y en la evocación de leyendas de la mitología grecorromana. Góngora basó su obra en grandes poemas, sonetos y letrillas.

Retrato de Góngora obra de Jean de Courbes

¿Quién iba a decir que Dead Can Dance –uno de los mayores grupos de todos los tiempos en los géneros musicales darkwave y folk experimental– iba a adaptar en Aion una de las composiciones del poeta andaluz?

El álbum Aion de Dead Can Dance.

Aion (1990) es el quinto trabajo de Dead Can Dance publicado por el sello independiente inglés 4AD. El título hace referencia al dios griego Eón, señor de la eternidad. En este sentido, el grupo australiano dirigió su trabajo hacia la temática mitológica bajo un halo de melodías  y temas narrativos medievales y renacentistas. Esta obra maestra de la música etérea recogió entre sus temas la letrilla Da Bienes Fortuna (1581) de Luis de Góngora que, en su adaptación, dice así:

Fortune presents gifts not according to the book

«Fortune presents gifts not according to the book
Fortune presents gifts not according to the book
When you expect whistles it’s flutes
When you expect flutes it’s whistles.

What various paths are followed in distributing honours and possesions
She gives awards to some and penitent’s cloaks to others

When you expect whistles it’s flutes
When you expect flutes it’s whistles.

Sometimes she robs the chief goatherd of his cottage and and goatpen
And to whomever she fancies the lamest goat has born two kids

When you expect whistles it’s flutes
When you expect flutes it’s whistles.

Because in a village a poor lad has stolen one egg
He swings in the sun and another gets away with a thousand crimes

When you expect whistles it’s flutes
When you expect flutes it’s whistles».

Lo que el poeta expresa con su pieza es el desengaño que siente ante un mundo injusto víctima de una fortuna caprichosa o cruel. Vista la lírica, os dejamos también el tema musical completo. Esperemos que lo disfrutéis.

Dead Can Dance – Fortune presents gifts not according to the book

from the album Aion (1990).

 

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Aniversario de «In the Flat Field» de Bauhaus

Panorama en los albores de los ochenta

Este mes estamos de aniversario y, por ello, hacemos parada en noviembre de 1980, fecha en la que el sello discográfico independiente 4AD  lanza el primer disco «In the Flat Field» del grupo británico Bauhaus.

Estabamos en los albores de la década de los ochenta, una época donde el inconformismo y una nueva creatividad estaban empezando a bullir a fuego lento: nuevas sensibilidades con múltiples formas de manifestarse. Era tiempo para el postpunk más impúber, la new wave así como para los nuevos románticos y el electropop adornado con laca y maquillaje. Aún veíamos por el espejo retrovisor el krautrock alemán y el glam rock de David Bowie y The New York Dolls. También el punk de transición hacia lo gótico de The Damned va a ser un punto de arranque fundamental para la nueva escena oscura que ya estaba llamando al timbre.

En este caldo de cultivo, nació la banda de Peter Murphy (a los micrófonos),  Daniel Ash (guitarra y saxo), Daniel J (bajo) y Kevin Haskins (a la batería). En la transición de los 70 hacia los 80, Bauhaus iba de la mano con Joy Division, Siouxie & the Banshees y The Cure en lo que fue la exploración ‘rockanrolera’ de los rincones más sombríos de la música. Todos ellos británicos y es que la isla abanderó este nuevo sonido al igual que muchos otros subgéneros del rock.

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Bauhaus (nombre tomado de la famosa escuela alemana de diseño)

In the Flat Field

«In the Flat Field» fue el primer trabajo de Bauhaus y uno de los álbumes pioneros de la primera ola del rock gótico. Netamente fue un disco de postpunk claustrofóbico con un frontman de aspecto vampírico, músicos con gafas de sol y las primeras camisetas negras de rejilla. Bauhaus facturaba un rock de atmósfera lóbrega con cambio de ritmos en una variedad de tempos. La voz de Murphy —a veces pausada, a veces frenética—, en cierto modo, puede recordar al desaparecido Jim Morrison y la experimentación se reafirmaba en una poética decadente .

La crítica general no tuvo buenas palabras para el disco, calificándolo con los términos de «pedante, engreído, sin sentido y catatónico».  Quizá no supieron entender el surgimiento de una nueva ola del rock o quizá veían la nueva escena desde sus cómodos atriles del conformismo.

Pero no todo fueron valoraciones adversas. En 2012, la revista Sonic Seducer, nombró al álbum como el 4º en la escala de los diez álbumes clave de la escena gótica. En cualquier caso, aunque Bauhaus no es para todos los públicos, sí tiene un valor artístico indudable.

Temas del disco

  1.  Double Dare.
  2.  In the Flat Field.
  3.  A God in an Alcove.
  4.  Dive.
  5.  Spy in the Cab.
  6.  Small Talk Stinks.
  7.  St. Vitus Dance.
  8.  Stygmata Martir.
  9.  Nerves.

Los grandes temas —de cara a la galería— que se pueden encontrar en el disco son In the Flat Field y Stigmata Martyr , pero os voy a dejar con una de las canciones que mejor pueden definir su rock’n’roll agónico: Spy in the Cab.

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Annwyn, bajo las olas

En el día de hoy vamos a acercarnos, a vista de pájaro, a una de las grandes bandas de darkwave: Faith and the Muse. El grupo estadounidense, nacido en 1994, practica una variedad de estilos que rondan el rock gótico, la música ethereal, el folk o la mitología celta en la que se inspira para formar la parte lírica de algunos de sus temas. William Faith es un guitarrista y compositor que ha participado en bandas principales de la escena postpunk y gótica como son Christian Death, Mephisto Waltz o Sex Gang Chindren. «The Muse» no es otra que Monica Richards, cantante, compositora y artista –toda una mujer del Renacimiento− que fue parte de la banda de Washington, Strange Boutique.  Actualmente, nuestra musa está grabando y participando como vocalista invitada en la superbanda de rock gótico y ethereal wave, The Eden House.

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Monica Richards (cantante y compositora) y Marzia Rangel, bajista de la banda

La banda ha recibido una gran influencia conceptual de la mitología británica e irlandesa. Un ejemplo claro es el que nos ha traído aquí: Annwyn, beneath the waves (‘Annwyn, bajo las olas’). Este es el nombre que usaron como título de su segundo trabajo (1996) y como tema de apertura del disco y que es, sin duda, uno de los grandes hitos de la banda.

El problema del concepto Annwyn es que podemos encontrarlo escrito de múltiples maneras: Annwyn, Annwn, Annwfn, Annwfyn etc. Según nuestro experto Manuel Velasco, “En Gales y, por extensión, en la Britania Celta, tenían un mundo subterráneo llamado «Annwn». Se suponía que la puerta a aquel abismo estaba en Glastonbury, justo en la cima de la colina, guardada primero por los druidas y más tarde por monjes cristianos” (Breve historia de los celtas, Manuel Velasco, ediciones Nowtilus, 2005). La aparición de la forma «antumnos» en una misteriosa tabla galesa significaba ‘inframundo’. Fue un submundo gobernado por Arawn (rey de los muertos) en el que todo era paz y abundancia. Posteriormente, este concepto se cristianizó como el lugar a donde viajan las almas.

Otra fuente es el Poema de Annwfn, en antiguo galés, en el que el rey Arturo viaja al Otro Mundo para buscar un caldero mágico en el reino de los muertos.

Y, de esta manera, Richards en Annwyn, bajo las olas nos canta:

«Sink into dream; these enchanted depths

The realm of muted wisdom

Slowly descend; trust ignites the darkness

And bliss is this drowning moment».

Es decir, nos habla del hundimiento en el sueño, en las profundidades encantadas y en un reino oculto de sabiduría.

Pero, aparte de lo conceptual y complejo del tema, nos queda lo mágico de la música que aquí comparto con vosotros. A mí se me ponen los pelos como escarpias, oiga.

 

 

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Torre Salvana

Torre Salvana

Torre Salvana

Hoy nos acercaremos a uno de los lugares encantados más relevantes y populares de la geografía catalana e incluso peninsular: la Torre Salvana. Este lugar se sitúa a la entrada de la Colonia Güell en el municipio de Santa Coloma de Cervelló (Barcelona) y se trata de una casa señorial fortificada que cuenta con una torre defensiva y cuyas primeras noticias datan del año 992. La finca es una mezcla de estilo románico y gótico, esencialmente. Fue traspasada, cedida y abandonada en distintas épocas históricas.

Hoy en día, esta construcción es una ruina de otros tiempos que está al alcance de cualquiera que quiera visitarla. En ella —y bajo el imperio de una vegetación salvaje— son una constante los agujeros, los pasajes, las estructuras carcomidas y las techumbres a medio derrumbar. El paraje no está aislado en absoluto pues cerca está la autopista y varios poblados de la zona.

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Torre Salvana, en santa Coloma de Cervelló (Barcelona)

Los investigadores del misterio, fotógrafos, grafiteros y curiosos se pasean entre sus muros con asiduidad, ya sea para verlo en primera persona o para investigar los fenómenos extraños que se dice que ocurren en el lugar. El lugar también es objetivo de atrevidos conjuradores de ouija. Los que han visitado Torre Salvana aseguran que han experimentado apariciones, sombras en los muros, objetos voladores, gritos y lamentos, trotar de caballos y otros acontecimientos inexplicables. Para algunos es un sitio maldito y para otros, una leyenda.  En cualquier caso, el lugar es un núcleo muy potente de sugestión sobre todo de noche.

En este sentido, el magnífico grupo de neofolk Ordo Funebris, dedicaron una canción a esta misteriosa fortaleza en el álbum Cantar a la Morte: Fábula Triste (2002). Este grupo desapareció en 2003, pero la buena noticia es que su líder —Lady Morte— creó otro proyecto a partir de la semilla de los Ordo Funebris: los actuales Trobar de Morte. Trobar es uno de los grupos neofolk de actualidad con más proyección internacional (han actuado ni más ni menos que en el WGT de Leipzig , entre otros festivales) y que cuenta con un buen número de fans y reconocimiento, no solo aquí, sino también más allá de nuestras fronteras.

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Ian Curtis 24/36

Ian Curtis

Ayer, 18 de mayo de 2016, fue el aniversario de la muerte de Ian Curtis, líder y cantante de Joy Division. Murió a la edad de 24 años ahorcado en su cocina. No se sabe la causa exacta de su decisión de abandonar este mundo pero escogió la opción más irreparable a la que alguien puede optar. Poeta del rock, de un ánimo introspectivo rayano en lo depresivo, admirador de bandas punk clásicas y fan de la literatura de Kafka y Sartre, su luz en penumbras se apagó por completo hace 36 años, en 1980.

Su banda, Joy Division, fue un abanderado de lo que se conoce como el postpunk británico, una ola musical muy influyente en otras bandas de corte alternativo. El postpunk fue un género que nació a fines de los años setenta y que tenía unos límites un poco difusos: básicamente es una fuerza musical que creció cuando la explosión punk rock iba decayendo por momentos. En este cóctel afterpunk encontramos elementos del rock artístico acompañadas de un alma melancólica avantgarde y ecos de un punk’n’roll que ya estaba en horas bajas. Otros buques insignia de este movimiento pueden ser The Cure, Echo & The Bunnymen o Siouxsie & The Banshees. Casi nada.

Os propongo el tema original Dead Souls de Joy Division (1979) como un pequeñísimo homenaje a un músico. Este tema aparece versionado por la banda experimental Nine Inch Nails en el icónico filme El cuervo, otra fuente de misterios de la que quizá os hable otro día.

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¡Abrid las puertas! Rock y poesía

Hablar de The Doors es hablar de Jim Morrison, el rey lagarto, el gran icono del rock clásico de finales de los sesenta y principios de los setenta del siglo XX. Pero también es hablar de Ray Manzarek (teclado), John Densmore (batería) y Robby Krieger (guitarra). Es hablar de psicodelia, alcohol y LSD, la influencia del blues rock y la irreverencia. Pero, ¿en serio es solo eso? No, también es hablar de cultura más allá de la música.

Jim Morrison era un gran amante de la literatura y fue estudiante de cine en la universidad de UCLA. El grupo que formó comenzó llamándose The Doors Of Perception, un nombre que se acortó por motivos de marketing y que fue inspirado por Las puertas de la percepción (1954) de Aldous Huxley. Huxley defiende que las drogas abren el “filtro” del cerebro para que podamos percibir todas las impresiones e imágenes que se producen en la realidad.

Tanto Morrison como Huxley tuvieron esta revelación a partir de un tronco común: ambos se apoyaron en El matrimonio del cielo y el infierno (1793) del gran poeta inglés William Blake (1757-1827), en cuya obra nos dice:

«Si las puertas de la percepción se depurasen,

todo se mostraría a los hombres tal como es: infinito.

Pues el hombre se ha encerrado en sí mismo hasta ver

todas las cosas a través de las estrechas rendijas de su caverna».

Blake tuvo la capacidad de fascinar al músico y al escritor seguramente por lo mismo que a nosotros: su fina alegoría, el poder del imaginario y la exaltación de las pasiones vitales frente al cerco del pensamiento ilustrado y el racionalismo.

Esta semana les dejo con Break On Through (1967), un canto a traspasar las puertas de la percepción a lo cual ya nos invitó William Blake a fines del siglo XVIII.