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Especial verano: los fantasmas de Zorrilla con Ángela Hernández Benito

Zorrilla

José Zorrilla y Moral (Valladolid, 21 de febrero de 1817–Madrid, 23 de enero de 1893) fue un poeta y dramaturgo español, además de uno de los grandes exponentes del romanticismo en España. Se sabe mucho de su obra, pero, ¿y de su vida?, ¿sus experiencias vitales tuvieron algo que ver con su producción literaria? ¿Estuvo auspiciado el alumbramiento de José Zorrilla por algún tipo de señal o premonición? ¿Qué sabemos de la especial sensibilidad de este niño sietemesino? ¿Qué lienzos y otras piezas inquietantes podemos encontrar en la Casa-Museo de Zorrilla? ¿Es cierto que en ella habita la presencia de un fantasma muy familiar? ¿Qué anécdotas conocemos de la azarosa vida de este escritor decimonónico? Todas estas cuestiones y muchas más son desveladas por Ángela Hernández Benito, antigua directora de la Casa-Museo de Zorrilla y experta en la vida del gran literato vallisoletano, durante esta interesante entrevista.

Ángela Hernández Benito es escritora, natural de Bogajo (Salamanca) y afincada en Valladolid. De formación pedagógica y humanista, trabajó en la docencia durante algún tiempo, y fue directora del colegio Padre Damián durante los años que van de 1980 a 1988, hasta desembocar en la Casa-Museo de Zorrilla del Ayuntamiento de Valladolid, de la que ha sido directora hasta su jubilación. 

Tiene en su haber una treintena de premios literarios, entre los que se encuentran: un premio de ensayo otorgado por la Revista de Escuela Española, el Antonio Reyes Huertas de Zaragoza, el premio José Rodao de Poesía, el de los Trabajadores de Castilla y León de Relato, el Antonio Reyes Huertas de Zaragoza y Badajoz, accésit del IX de Libro de Relatos Vivendia-Villiers, el Premio de Relato de MAPFRE, etc. Cuenta también con el Premio de los Amigos del Teatro por su labor en favor de la cultura, que le fue otorgado en 2013. 

Ha publicado varias novelas, entre las que se encuentran: La babuschka, Pelitre Insecticida para chinches, Un cero a la izquierda, Vendetta y Equipaje de amor para el silencio; así como relatos y varios poemarios como La noche y la mentira, por ejemplo.

Además, ha realizado teatro para niños y cuenta con varios artículos aparecidos en revistas (como la Gaceta Cultural del Ateneo de Valladolid, Atticus, Argaya, Alkaid Ediciones, etc.) y periódicos (como El Norte de Castilla). Entre sus publicaciones hay veintiséis libros de relatos colectivos y antologías, entre ellas Mujeres en la Historia, Mujer mes a mes, Tras la huellas de Arsenio Lupin, etc.

Y no solo eso, sino que, además, esta prolífica autora ha hecho adaptaciones para teatro y ópera, es especialista en Zorrilla y el siglo XIX, coordina la Semana de Estudios Románticos de la Casa de Zorrilla, y ha colaborado durante doce años en el programa de la Cadena Ser A vivir que son dos días, Castilla y León, con su espacio de fin de semana «La información desclasificada de Ángela Hernández».

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Programa 02×19 Leyendas románticas con Pedro Ortega

Este es el segundo de los programas especiales que emitimos directamente desde la plataforma Ivoox. Será así hasta el próximo jueves 7 de febrero, en el que empezaremos a retransmitir el programa de las 8 a las 9 de la tarde en Radio Círculo, la emisora del Círculo de Bellas Artes de Madrid, el cual podréis seguir a través de radiocirculo.es.

Hoy os tenemos preparado un programa muy especial titulado “Leyendas románticas en la pintura española y victoriana”. El pasado mes de octubre de 2018, Pedro Ortega fue invitado a la Semana de Estudios Románticos de Valladolid. Así que hoy os ofrecemos la conferencia que impartió allí sobre la presencia de leyendas en la pintura post-romántica. Esperamos que os guste.

Eso sí antes de dejaros con la conferencia, queremos invitaros a visitar la web mistérica.net o la página Mistérica en Facebook donde encontraréis algunas imágenes sobre los temas que trataremos a lo largo del programa, o bien seguirnos a través de nuestra cuenta de Twitter @rev_misterica.

Por otra parte, si estáis escuchando este podcast, no dudéis en dejarnos vuestros comentarios, darle a “me gusta” o suscribiros si hemos alcanzado vuestras expectativas. Esperamos que sí, y que nos hagáis llegar vuestros comentarios y preguntas.

Ahora sí, nos trasladamos a Valladolid, donde tuvo lugar la conferencia titulada “Leyendas románticas en la pintura española y victoriana”.

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Programa 02×12 Los viajes de Zorrilla con Ángela Hernández

Fotografía de José Zorrilla

José Zorrilla y Moral nació en Valladolid el 21 de febrero de 1817 y murió en Madrid, el 23 de enero de 1893, y fue un poeta y dramaturgo español, además de uno de los grandes exponentes del romanticismo en España.

Se sabe mucho de su obra, pero, ¿y de su vida y sus viajes? ¿sus experiencias vitales tuvieron algo que ver con su producción literaria? ¿Estuvo auspiciado su alumbramiento por algún tipo de señal o premonición? ¿Qué sabemos de la especial sensibilidad de este niño sietemesino? ¿Qué anécdotas conocemos de la azarosa vida de este escritor decimonónico?

Todas estas cuestiones y muchas más las desvelamos en este programa de la mano de Ángela Hernández desde la Casa Museo de José Zorrilla en Valladolid.

Seguiremos con Pedro Ortega y su sección “LA OBRA DE ARTE DESCONOCIDA”, para descubirnos unas inquietantes respresentaciones artísiticas llamadas las “Danzas de la muerte” en Cartagena, Murcia, mientras que en “CUADERNOS DE VIAJE”, David Hidalgo, nos habla de una nueva serie que trata las escalofriantes aventuras de un bruja muy particular.

En “TERRA SECRETA” nuestro avezado viajero, Sergio Álvarez, nos guía a través de los misterios que esconde los dominios de la Alcarria, más concretamente en la abandonada localidad de Cívica, en Guadalajara. Y para terminar, en “ÚLTIMA PARADA”, escucharemos una dramatización de lo más escalofriante, titulada “El poder del hacedor”.

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Programa 02×07 La Santa Muerte con el Dr. Andrew Chesnut

Hace apenas unas décadas, en el barrio bravo de Tepito, en Ciudad de México, se hizo público el que seguramente sea el culto religioso moderno con más auge y que ha crecido de una forma más vertiginosa en nuestro tiempo. Nos estamos refiriendo a la Santa Muerte.
Esta noche descubriremos qué o quién es esta extraña santa con forma de calavera, cuál fue su origen y dónde tuvo lugar, y cuáles son las ofrendas que sus devotos presentan a esta extraña figura.
Patrona de las cárceles y de los narcos, la Santa Muerte parece alzarse para defender también a aquellas personas más desfavorecidas. Descubriremos esta noche por qué es tan atrayente el culto a la Santa Muerte.
Para hablarnos de todo ello contamos a través del hilo telefónico con el Dr. Andrew Chesnut, el primer autor de un libro académico sobre este tema.

Seguiremos con Pedro Ortega y su sección “LA OBRA DE ARTE DESCONOCIDA”, en la que nos presenta un cuadro estremecedor relacionado con el ocultismo, y en “CUADERNOS DE VIAJE”, David Hidalgo revisa la terrorífica trilogía de Dario Argento con motivo del próximo estreno del remake de la película Suspiria. Seguiremos con Paco González y su “TERRA SECRETA” en la cual nos traslada a tierras sorianas para conocer uno de los lugares narrados por Gustavo Adolfo Bécquer. Y para terminar, en “ÚLTIMA PARADA”, escucharemos un relato que os pondrá los pelos de punta, titulado, “La mirada del gigante”.

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Las cárceles imaginarias de Piranesi: escenarios de videojuego

Giambattista Piranesi (Venecia, 1720 – Roma, 1778) fue un artista que anticipó, con su creatividad, técnica y método, la forma de trabajar de los arquitectos y diseñadores actuales. Además, desde Goya a Murnau su influencia en artistas plásticos surrealistas y expresionistas es innegable. Y más allá, incluso en otros campos artísticos como los videojuegos, se pueden intuir algunos de los escenarios imposibles que imaginó en una de sus más enigmáticas series de grabados: Las cárceles imaginarias (Carceri d’invenzione).

En 2012 tuvo lugar una interesante exposición en el CaixaForum de Madrid sobre el artista veneciano. En ella se podían observar varios de sus caprichosos objetos (nunca antes fabricados), así como más de 250 grabados originales. Y como colofón de la muestra se presentaba un espectacular vídeo en 3D creado a partir de los grabados de la serie de cárceles imaginarias, a través del cual realizar un alucinante recorrido por el interior de estas opresivas prisiones.

Las cárceles imaginarias constituyen una serie de 14 grabados publicados en 1742, en los que el artista concibe espacios de gran dramatismo y profundidad. En 1761 añadió dos láminas más a la serie, re-elaborando algunas de las anteriores para imprimirles aún más contraste y, por tanto, hacer más claustrofóbicos los espacios. La combinación de sus conocimientos de arquitectura y escenografía, junto con su dominio de la técnica del claroscuro y la interpretación fantástica de lugares reales, hizo de estos grabados algo único en su época.

Cárceles imaginarias
Las cárceles imaginarias de Piranesi

La imaginación de Piranesi convirtió ruinas romanes reales en lugares extraños y vertiginosos, donde pasadizos, escaleras, artilugios y pasarelas se transforman en un laberinto del cual no hay escapatoria posible. En palabras de Marguerite Yourcenar en su ensayo “El cerebro negro de Piranesi”, “las líneas grabadas de Piranesi danzan y se enredan, estimulando la imaginación del espectador, al mismo tiempo que le llenan de asombro, una profunda tristeza y una sensación de misterio.”

Cárceles imaginarias
Las cárceles imaginarias de Piranesi

Esta “poética de la ruina” perduró durante siglos después. Goya conoció sin duda estas cárceles imaginarias, inspirando con su propia interpretación a románticos y surrealistas posteriores. Para ellos, estas prisiones simbolizaban el interior tenebroso y desconocido del alma humana. Incluso algunos detalles de las cárceles podrían haber estado esculpidos, en un viaje en el tiempo, por la mano del mismísimo Goya.

Cárceles imaginarias
Detalle de grabado de Las cárceles imaginarias

En la literatura, las cárceles imaginarias fueron la musa inspiradora de “El castillo de Otranto” (1764) de Horace Walpole, protonovela «gótica» admirada por los surrealistas en la que se describen lugares misteriosos y opresivos. Estos mismos pasillos interminables y escaleras que no llevan a ninguna parte tuvieron su influencia posterior en “El castillo” o “El proceso” de Franz Kafka, y por supuesto, en escenarios surrealistas como los de “El gabinete del Doctor Caligari” (1920) de Robert Wiene.

Cárceles imaginarias
Fotograma de «El gabinete del Dr. Caligari»

Al visualizar el vídeo en 3D construido con los grabados de las cárceles imaginarias nos vienen a la mente nuevas referencias, aún más modernas. La primera puede ser pensar en los escenarios como “La cascada imposible” de M.C. Escher. Y otra puede ser las naves o plataformas abandonadas a su suerte de la saga de “Aliens” iniciada por Ridley Scott.

Cárceles imaginarias
La cascada imposible de M.C. Escher

De igual modo las tortuosas escaleras, las máquinas de siniestra apariencia o los largos pasillos de las cárceles imaginarias de Piranesi nos recuerdan diversos videojuegos ambientados en fábricas, manicomios o escuelas abandonadas. Lugares en los que ha ocurrido alguna fatalidad o desgracia, y en los cuales se presenta un “presente detenido”.

En estos videojuegos exploratorios (normalmente del género de survival terror) el laberinto o escenario a explorar es en sí mismo un personaje con vida propia, en el que anidan seres temibles. Silent Hill, Darksouls y Bloodborne son algunos ejemplos claros de esta “arquitectura ominosa” de clara inspiración expresionista en la que la ruina se eleva a la categoría de lo siniestro, y los espacios interiores cobran vida.

Cárceles imaginarias
Imagen de DarkSouls

Cárceles imaginarias
Imagen de BloodBorne

Igualmente en videojuegos clásicos tipo “fist person shutter” como Quake y Doom se encuentran esos espacios multiplataforma orgánicos y claustrofóbicos.

 

Cárceles imaginarias
Imagen de Doom

Imagen de Silent Hill

Si después de ver el vídeo en 3D de las cárceles imaginarias de Piranesi te apetece crear tu propia prisión imposible, es posible hacerlo a través del siguiente interactivo con el que intentar penetrar en la mente del genial artista.

Para saber más:

 

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A la sombra te sientas de las desnudas rocas

A la sombra te sientas de las desnudas rocas

“A la sombra te sientas de las desnudas rocas,
y en el rincón te ocultas donde zumba el insecto,
y allí donde las aguas estancadas dormitan
y no hay hermanos seres que interrumpan tus sueños,
¡quién supiera en qué piensas, amor de mis amores,
cuando con leve paso y contenido aliento,
temblando a que percibas mi agitación extrema,
allí donde te escondes, ansiosa te sorprendo!

—¡Curiosidad maldita!, frío aguijón que hieres
las femeninas almas, los varoniles pechos:
tu fuerza impele al hombre a que busque la hondura
del desencanto amargo y a que remueva el cieno
donde se forman siempre los miasmas infectos.

—¿Qué has dicho de amargura y cieno y desencanto?
¡Ah! No pronuncies frases, mi bien, que no comprendo;
dime sólo en qué piensas cuando de mí te apartas
y huyendo de los hombres vas buscando el silencio.

—Pienso en cosas tan tristes a veces y tan negras,
y en otras tan extrañas y tan hermosas pienso,
que… no lo sabrás nunca, porque lo que se ignora
no nos daña si es malo, ni perturba si es bueno.
Yo te lo digo, niña, a quien de veras amo:
encierra el alma humana tan profundos misterios,
que cuando a nuestros ojos un velo los oculta,
es temeraria empresa descorrer ese velo;
no pienses, pues, bien mío, no pienses en qué pienso.

—Pensaré noche y día, pues sin saberlo, muero.

Y cuenta que lo supo, y que la mató entonces
la pena de saberlo.”

Rosalía de Castro, poetisa y escritora

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Julia Margaret Cameron, la primera fotógrafa romántica

Julia Margaret Cameron

«Mis aspiraciones son ennoblecer la fotografía y asegurar para ella el carácter y los usos del Gran Arte, combinando lo real y lo ideal sin sacrificar la verdad por toda la devoción que siento hacia la poesía y a la belleza.»

George Frederic Watts. Julia Margaret Cameron. 1850-1852.
George Frederic Watts. Julia Margaret Cameron. 1850-1852.

Su vida

Julia Margaret Cameron nació el 11 de junio de 1815 en Calcuta, de padre británico y madre francesa. Aunque su educación no fue reglada, fue una ávida lectora y su estancia en Versalles con su abuela entre 1818 y 1835 le abrió los ojos al arte y a la literatura desde muy joven. En 1836 conoció al que sería su esposo Charles Hay Cameron en Sudáfrica. Se casó con él en 1838 en Calcuta. En 1846 se trasladaron a vivir a Inglaterra y allí, en la casa de su hermana en Londres, conocerá al círculo de intelectuales de la época. En 1860 se trasladó a vivir en la isla de Wight (Inglaterra) donde cría a sus hijos. A la edad de 48 años su hija y su yerno le regalaron su primera cámara fotográfica y desde entonces 1879 desarrollará su carrera como fotógrafa entre Inglaterra y Ceilán y realizará un total de 1222 fotografías.

Podría pensarse que por la época en la que nos encontramos fuese difícil para una mujer realizar una carrera como fotógrafa. En el caso de Julia Margaret Cameron esto no es así. Por una parte, al comenzar con 48 años a fotografiar, ya había criado a sus hijos y a otros niños de parientes que tuvo a su cargo. Por otra parte, tenía una cierta posición social y esto era favorable porque en la Inglaterra victoriana estaba bien visto que la mujer se dedicase a la fotografía. Esto se debió a que, tras la validación de la fotografía por parte de la reina Victoria, entre las damas de sociedad se pusiera de moda la fotografía. Aquí podemos contar con la pionera de la fotografía Anna Atkins y con las fotógrafas Clementina Hawarden, Lady Eastlake o Lady Berkeley. “El gusto por la práctica fotográfica en las señoras de alcurnia era bien vista”.

La técnica

Cameron tenía 48 años el día que su hija y su yerno le regalaron una cámara fotográfica: «Puede divertirle, madre, tratar de hacer algunas fotografías durante su soledad en Freshwater…». Pero la fotografía no era una actividad nueva para ella. Está documentado que había trabajado como ayudante de Gustav Rejlander. De hecho conservamos algunos ejemplos de fotografías realizadas entre ambos, como es el caso de Mary Ryan (1864), una imagen en la que Cameron interpuso entre el negativo y el papel una serie de hojas que actuaban como marco, pero pronto Cameron desecharía este tipo de intervención y, de hecho, sus imágenes serían todas directas. No obstante hubo alguna excepción en la que Cameron rayaría algunos negativos para representar aureolas de santidad.

En el momento en el que Julia Margaret Cameron había comenzado a trabajar con la fotografía la técnica fotográfica había superado ya las primeras técnicas como el daguerrotipo y el calotipo y se lograba ya una fotografía más estable. La técnica más avanzada en aquel momento era el colodión húmedo. Dicha técnica fue desarrollada en 1851 por Gustave Le Gray. Esta técnica reducía el tiempo de exposición a unos segundos. Sobre una placa de vidrio impregnada en colodión, la imagen quedaba fijada con el nitrato de plata. El colodión húmedo requería de papel a la albúmina para la impresión final de las imágenes, y con ello se lograban reproducciones de muy buena calidad en este tipo de papel.

 

Julia Margaret Cameron Peace 1864 © Victoria and Albert Museum, London
Julia Margaret Cameron
Peace
1864
© Victoria and Albert Museum, London

Influencias artísticas, históricas y literarias

En los comienzos de su período como fotógrafa, Julia bebió de su maestro Gustav Rejlander, uno de los grandes representantes de la fotografía pictorialista. Rejlander trataba de emular en sus impresiones a los lienzos pictóricos, quería componer fotografías a modo de cuadros. De hecho ha pasado a la historia por una fotografía icónica, titulada Las dos sendas de la vida, donde compuso una fotografía a partir de numerosos negativos. Con esta técnica fue pionero en su campo. No obstante, Julia, aunque va a seguir una serie de referencias pictóricas no va a utilizar el fotomontaje y, es más, se aparta del pictorialismo de su maestro.

Otras influencias más claras en la obra de Cameron provienen de la Antigüedad clásica y del Renacimiento. Por citar un ejemplo, inspirada en los mármoles de Elgin en el British Museum, Cameron hace una composición de figuras con la técnica de los paños mojados. Del Renacimiento, Rafael será también un referente, del que extraerá temas para algunas de sus fotografías, como es el caso de Santa Cecilia (a la manera de Rafael) de 1864-65. Otra fuente de inspiración artística, y de mucho peso, es la de la pintura prerrafaelita. Cameron es íntima de la familia Rossetti y también de George Frederick Watts, de quienes sus retratos parecen tener algunas similitudes, como veremos. 

Las influencias bíblicas están también muy presentes en la obra de Julia Margaret Cameron. Como devota cristiana que era, Julia creó algunas escenas relacionadas con temas bíblicos: algunas de sus fotografías son madonnas (Mary Hillier como Madonna con dos niños, 1864) y otras son niños que representan la infancia de Jesús (La sombra de la cruz – Archie, mi nieto, 1865). Pero también hay obras que representan pasajes bíblicos concretos como La visitación (1864), El ángel en la tumba (1869) o Las hijas de Jerusalén, representando a las tres Marías. Si bien la mayoría de estas fotografías son meros retratos a los que da nombre, vamos a destacar una composición de personajes que representan un tema concreto: La Reina Esther y el Rey Ahasuerus de 1865. Se trata de un tema de los Evangelios Apócrifos: la reina Esther pide clemencia al Rey Ahasuerus porque los judíos la han condenado a muerte. La fiereza de la mirada del Rey hace que la joven Esther caiga desmayada. Pero la intercesión de Dios ablandará el corazón del rey que perdonará a Esther y a su pueblo. Esta escena, tremendamente dramática, la concibe Cameron con un personaje masculino a la izquierda de la composición, con una larga barba blanca y situado en penumbra. El centro-derecha lo ocupa una joven que ha caído desmayada y que está siendo sujetada por una joven que apenas aparece por detrás de la escena. Como veremos la tristeza y la desolación son las constantes en la obra de Cameron.

Julia Margaret Cameron Sappho 1865 © Victoria and Albert Museum, London
Julia Margaret Cameron
Sappho
1865
© Victoria and Albert Museum, London

Juia también va a destacar fotografiando personajes y escenas históricas. En lo concerniente a estos temas, Julia parece querer poner en valor el papel de la mujer a través de la historia. Por una parte Egeria (1865) podría estar representando a una religiosa hispana que en el siglo iv viajó por su cuenta y riesgo a Tierra Santa en una larga y peligrosa peregrinación. Otra mujer de la Antigüedad clásica es Hypatia (Marie Spartali) de 1867. Hipatia destacó como filósofa y maestra neoplatónica en la Alejandría del siglo iv, una de las primeras mujeres filósofas de la historia. Como la poetisa por antonomasia, Cameron va a representar a Safo en varias ocasiones a lo largo de su breve carrera. En una de ellas, fechada en 1866, representa a la modelo de perfil y con un traje elegante, a la manera de los retratos florentinos del Renacimiento, como el Retrato de Giovanna Tornabuoni (1489-1490) de Domenico Ghirlandaio, que bien podría haber servido de modelo. Otra composición histórica compuesta por varios personajes es La reina Phillipa intercediendo por los Burgueses de Calais (1872-74), tema conocido por la escultura de Rodin, en donde se muestra una escena del siglo xiv cuando el Rey Eduardo III sitia la ciudad de Calais y realiza un terrible asedio. La ciudad resiste y accede a capitular si todos los hombres son considerados libres. Eduardo III se ofreció a respetar la vida de los pobladores de la ciudad si seis hombres notables de la ciudad, en su lugar, se rindieran ante él, junto con las llaves de la ciudad, vestidos en camisón y con una soga amarrada a sus cuellos. Esta escena la resuelve Cameron con un conjunto de cinco personas (algo muy poco habitual), en donde destaca en primer término el rey, con un rostro severo; Philippa, arrodillada suplicando el perdón; tres personajes secundarios en la parte posterior, que son los burgueses, con sus miradas perdidas en varias direcciones. Es, de nuevo otra escena dramática.

En lo que a temas literarios se refiere, Julia bebe de los grandes clásicos de la literatura británica como son Milton o Shakespeare, pero también de poetas británicos del xix, como Byron o Coleridge. Por una parte podemos mencionar a Shelley, de quien extrae temas de su obra The Cenci, donde toma el personaje femenino protagonista, Beatrice, y en su triste rostro refleja el drama de la narración: el padre de Beatrice abusa de su hija. Ella, no dispuesta a seguir con este suplicio, conspirará con sus hermanos y lo matarán. Pero, lejos de solucionar el problema, serán sometidos a tortura y confesarán el crimen, por lo que serán finalmente condenados a muerte. Cameron refleja el momento final de la vida de Beatrice cuando ella, resignada, es sabedora de su muerte. Citar también una referencia a Tennyson: Porque tengo que ser la Reina de Mayo, madre (1875), en la que representa la figura de una joven coronada como reina de mayo, de acuerdo al poema “The Queen of May”. En Tennyson nos detendremos más adelante, pues surgirá una importante colaboración entre ambos: ilustrar la obra Los idilios del rey.

 

El retrato

Aunque hemos hablado de las distintas influencias en la obra de Julia Margaret Cameron, en realidad todas ellas son de algún modo un pretexto, pues sus fotografías son, en esencia, retratos. Podríamos decir que hay dos grandes tipos de retratos en la obra de Cameron: los femeninos y los masculinos.

Julia Margaret Cameron Mrs. Herbert Duckworth 1872 © Victoria and Albert Museum, London
Julia Margaret Cameron
Mrs. Herbert Duckworth
1872
© Victoria and Albert Museum, London

No cabe ninguna duda de que el rostro de la mujer es el tema favorito de Cameron. Para representar a la mujer, Julia salta todos los convencionalismos y las clases sociales porque sabe muy bien que lo que busca es el dramatismo y el sentimiento del rostro femenino. Representa a sus familiares, amigas y personas del servicio. Esto se debe a que su fin artístico era el ideal, por ello le gustaba que sus fotografías tuvieran cierto desenfoque (hecho que le valió numerosas críticas por parte de los académicos y críticos de arte), no le gustaban los rasgos duros y cortados, prefería que sus rostros tuvieran una cierta aureola.

Las mujeres de Cameron no sonríen. Sus poses denotan dolor, resignación, compostura, solemnidad y amor profundo y melancólico. Quiere reflejar ese sentir de la mujer que pierde a sus padres, a su marido, a sus hijos… Las vidas victorianas alrededor de Julia Margaret Cameron parecen estar impregnadas de repentina y temprana muerte. Las mujeres se volvían a casar y se hacían cargo de otros hijos de su nuevo matrimonio. Para Julia estas madres eran santas y Madonnas y los niños eran pequeños angelitos. Podríamos decir que Julia representa en sus fotografías un amor por alguien humano que es mortal. Encarna de esta manera el ideal de la tragedia romántica.

Su modelo favorita es, sin lugar a dudas, su sobrina Julia Jackson, de la que realizará muchísimos retratos, de entre ellos Mi retrato favorito de todos los tiempos, la obra paradigmática de Cameron. Otra modelo que debemos señalar es Alice Lidell, a quien retrata a los 19 años de edad. Alice Lidell fue la inspiradora del cuento Alicia en el país de las maravillas de Lewis Carroll. De hecho, Carroll había fotografíado también a Alice cuando era niña. Es posible, por tanto, que Julia Margaret Cameron conociera también a Carroll.

Julia Margaret Cameron Whisper of the Muse 1865 © Victoria and Albert Museum, London
Julia Margaret Cameron
Whisper of the Muse
1865
© Victoria and Albert Museum, London

Los modelos masculinos, por el contrario, sí son de una posición social elevada. Son filósofos, escritores, científicos y artistas. Podemos señalar en primer lugar su relación con el círculo prerrafaelita. William Holman Hunt o William Michael Rossetti, miembros fundadores de la hermandad, fueron íntimos amigos de Cameron. Otro pintor del círculo de Cameron con cierta vinculación prerrafaelita es George Frederick Watts, quien fue íntimo amigo de Cameron y su principal valedor. Además Julia se inspira en sus obras para componer algunas de sus fotografías. El retratos más carismático de Watts es el titulado El susurro de la musa.

Entre los científicos y pensadores del círculo de Cameron que posaron para sus fotografías podemos destacar a Charles Darwin, a quien Julia apoyó pese a la controversia suscitada por El origen de las especies, y a Philip Stanhope Worsley, un filósofo al que retrató unos días antes de su muerte por tuberculosis en una imagen de una potencia sobrecogedora. También podemos señalar los retratos para otro intelectual, John Herschel.

Hay dos grandes poetas vinculados con Cameron y de los cuales hizo magníficos retratos: Henry Taylor, quien estuvo propuesto para ser poeta laureado en 1850, pero que no lo consiguió, y Alfred Tennyson que si logró ese galardón. En 1874 Julia Margaret Cameron recibió una propuesta de Tennyson que no pudo rechazar: hacer ilustraciones fotográficas para una nueva edición de Los idilios del Rey y otros poemas, una colección de poemas sobre las leyendas artúricas. Para esta colaboración, Cameron tomó como modelos tanto a sus familiares y amigos como a miembros del servicio y realizó más de 200 fotografías hasta quedar satisfecha.

Julia Margaret Cameron May Day 1866 © Victoria and Albert Museum, London
Julia Margaret Cameron
May Day
1866
© Victoria and Albert Museum, London

Concibió estas imágenes como si fueran lienzos: utilizó trajes y elementos de atrezzo de la época, mientras sus modelos posaban como si se tratara de un tableau vivant (pintura viviente):

Cada vez que Cameron colocaba a sus modelos de nuevo, reescribía los pasajes concretos del poema de Tennyson (más que un simple comentario)… No fue para ella tan simple como para el poeta o para su época culpar a las mujeres de la caída de Camelot; en su lugar, Cameron utilizó su propia lectura de estas mujeres, cuyos defectos y virtudes se entremezclaban para crear una interpretación profunda de las leyendas artúricas que ilustraba [Lupack and Lupack, p. 46.].

 

Últimas fotografías

Al final de su vida, en Ceilán, Julia va a trabajar con modelos étnicos de Ceilán. Va a experimentar incluso con fotografías con hombres con el torso desnudo, práctica que no se veía bien en Inglaterra. En estos últimos años tratará algunos tipos de campesinos de la isla pero también al joven príncipe Alàmayou de Abisinia.

Por desgracia, la carrera de Cameron duró muy pocos años pues moría en 1879 a los 63 años con una carrera fotográfica de apenas 15 años. Lo cierto es que para tan escaso período de tiempo podemos afirmar sin ambages que la carrera de Julia Margaret Cameron fue la de una artista de primer nivel.

  

Este artículo ha sido escrito para complementar la visita a la exposición sobre Julia Margaret Cameron que se celebra en la Fundación Mapfre de Madrid (sede Bárbara de Braganza) que está abierta al público hasta el 15 de mayo de 2016. 

Enlace a la exposición 

Enlace al catálogo de la exposición

Audios en inglés:

Michael Weaver: I «Julia Margaret Cameron y su entorno cultural»

Michael Weaver: II «Julia Margaret Cameron: una fotógrafa victoriana»

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Lluvia, vapor y velocidad

Lluvia, vapor y velocidad

Turner fue, además de un gran pintor romántico, un antecedente del Impresionismo. Así lo demuestra su famoso y polémico lienzo Lluvia, vapor y velocidad de 1844. Aquí representa un tren que se acerca veloz en un lienzo donde la pintura se superpone a la línea y los objetos no están definidos. Un genio.

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La tormenta

Tormenta

Como buen romántico, Turner se siente infinitamente pequeño ante las fuerzas de la naturaleza. Por ello, muchos de los lienzos van a representar la pequeñez del hombre ante los fenómenos naturales. Uno de los más espectaculares es esta tormenta.

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Mr. Turner

Mr Turner

Hoy se estrena en España la película Mr. Turner, la cual os recomendamos a todos los lectores de Mistérica. Más información:

https://www.misterica.net/mr-turner/